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Écrire c'est partir à l'aventure. Chaque page ouvre un nouveau chemin, chaque phrase permet d'explorer une idée, une émotion ou un univers encore invisible.
Lorsque l’on commence à écrire, il est normal de tâtonner. On cherche ses mots, son rythme, sa manière de raconter. On doute parfois, on recommence, on compare son travail à celui des autres… et l’on peut facilement avoir l’impression de ne pas être « assez bonne ».
Pourtant, ces difficultés font partie du chemin.
Certaines erreurs reviennent régulièrement chez les jeunes auteures. Elles ne signifient pas que l’on manque de talent : elles montrent simplement que l’on est encore en train d’apprendre à maîtriser son outil. Avec du temps, de la lecture, de la pratique et quelques bons réflexes, elles peuvent devenir de véritables occasions de progresser.
Dans cet article, je vais donc passer en revue les pièges les plus fréquents et, surtout, découvrir comment les éviter.
Que tu écrives ton premier roman, des nouvelles, de la poésie ou simplement quelques pages pour le plaisir, ces conseils pourront t’aider à gagner en fluidité, en précision et en confiance.
Alors, prends une boisson chaude, installe-toi confortablement… et parlons écriture. 🌿☕
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Lorsque l’on débute, on peut avoir envie de montrer que l’on maîtrise parfaitement la langue. On cherche alors des mots rares, des tournures sophistiquées ou des phrases très travaillées.
Le problème, c’est qu’un texte n’est pas forcément plus beau parce qu’il est plus compliqué.
À force de vouloir impressionner, on risque parfois de perdre ce qui compte réellement : la clarté, l’émotion et la voix de l’auteure.
Un vocabulaire inutilement complexe peut :
Cherche avant tout le mot juste, plutôt que le mot le plus compliqué.
Par exemple :
« Elle éprouva une mélancolie inexprimable alors que le crépuscule enveloppait l’horizon d’une teinte incertaine. »
peut devenir :
« Elle se sentait profondément triste tandis que le soleil disparaissait derrière les collines. »
La seconde phrase n’est pas moins littéraire. Elle est simplement plus directe.
La simplicité n’est pas la pauvreté. Un vocabulaire accessible peut parfaitement être élégant, poétique et profond.
Une bonne habitude consiste également à lire ton texte à voix haute. Si une phrase semble difficile à prononcer ou sonne artificielle, elle mérite probablement d’être retravaillée.
Choisis un paragraphe de ton manuscrit et entoure les mots que tu as utilisés principalement pour « faire joli ». Demande-toi ensuite :
Est-ce que ce mot apporte réellement quelque chose ?
S’il n’ajoute ni précision, ni émotion, ni nuance, tu peux probablement le remplacer par quelque chose de plus simple.
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Une intrigue intéressante ne suffit pas toujours à porter un récit.
Ce sont les personnages qui lui donnent une âme.
Ce sont leurs désirs, leurs peurs, leurs contradictions et leurs choix qui permettent au lecteur de s’attacher à l’histoire. On peut oublier certains détails d’une intrigue, mais il est beaucoup plus difficile d’oublier un personnage qui nous a véritablement touchés.
Lorsque les personnages manquent de profondeur :
Pose toi quelques questions :
Tu n’as pas besoin de tout révéler au lecteur. Mais plus tu connais ton personnage, plus ses réactions seront naturelles.
Pense également aux personnages secondaires. Ils n’ont pas besoin d’avoir une biographie de vingt pages, mais quelques détails personnels peuvent suffire à leur donner de la présence.
Plutôt que d’écrire systématiquement :
« Elle était en colère. »
Tu peux montrer cette colère :
« Ses doigts se crispèrent autour de la tasse. Lorsqu’elle répondit, sa voix était étonnamment calme. »
Le lecteur ne reçoit plus simplement une information : il observe une réaction.
Écris une courte scène dans laquelle ton personnage principal ne poursuit aucun objectif lié à l’intrigue.
Fais-le simplement vivre.
Que fait-il lorsqu’il est seul ? À quoi pense-t-il ? Comment réagit-il face à une petite contrariété ? Qu’est-ce qui le fait sourire ?
Tu découvriras peut-être des facettes de sa personnalité que tu pourras ensuite intégrer naturellement à ton histoire.
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On entend souvent qu’il faut écrire pour progresser.
C’est vrai.
Mais il faut aussi lire.
La lecture permet d’observer, parfois sans même s’en rendre compte, comment les autres écrivains construisent une scène, créent une atmosphère, font parler leurs personnages ou installent une tension.
Bien sûr, lis les œuvres qui correspondent au genre que tu souhaites écrire. Elles t'aideront à comprendre les codes et les attentes du lectorat.
Mais ne t’arrête pas là.
Un roman contemporain peut t’apprendre quelque chose sur les dialogues. Une œuvre historique peut t’inspirer pour les descriptions. Un thriller peut t’aider à comprendre la construction de la tension. Un roman fantastique peut t’ouvrir de nouvelles possibilités pour créer un univers.
Lorsque tu lis, demande-toi :
Pourquoi ce passage fonctionne-t-il ?
Observe le rythme, les phrases, les dialogues, les descriptions, les changements de point de vue et les émotions.
Choisis un passage que tu apprécies particulièrement.
Analyse-le sans chercher à le copier :
Tu développeras ainsi peu à peu ton propre regard d’auteure.
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Écrire sans aucune direction peut être libérateur au début… jusqu’au moment où l’on ne sait plus vraiment où l’histoire va.
Certaines auteures aiment planifier chaque détail. D’autres préfèrent découvrir leur histoire en écrivant. Les deux méthodes peuvent fonctionner.
L’essentiel est de disposer d’un minimum de repères.
Tu peux simplement noter, pour chaque chapitre :
Que se passe t-il ?
Qui est présent ?
Que veut le personnage ?
Quel obstacle rencontre t-il ?
Qu’est-ce qui change à la fin de la scène ?
Cela suffit souvent à retrouver le fil.
Tu peux également définir le cœur de ton histoire en une seule phrase.
Si tu ne devais expliquer ton roman qu’en quelques mots, quelle serait sa véritable idée centrale ?
Cette question t’aidera à savoir quelles scènes méritent leur place et lesquelles peuvent être raccourcies ou supprimées.
Résume chaque chapitre de ton manuscrit en une seule phrase.
Si tu n’arrives pas à résumer certains passages, demande-toi pourquoi.
Peut-être qu’ils sont trop complexes. Peut-être qu’ils contiennent plusieurs scènes qui devraient être séparées. Ou peut-être qu’ils n’apportent finalement pas grand-chose à l’histoire.
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Lorsque l’on veut embellir un texte, on peut être tentée d’ajouter des adjectifs et des adverbes partout.
Pourtant, l’écriture gagne souvent en puissance lorsqu’on lui laisse un peu d’espace.
Un verbe précis peut souvent remplacer plusieurs mots.
Au lieu de :
« Elle marcha très rapidement vers la porte. »
tu peux écrire :
« Elle se précipita vers la porte. »
Le second verbe contient déjà l’idée de rapidité.
Cela ne signifie pas qu’il faut supprimer tous les adjectifs et tous les adverbes. Certains sont parfaitement utiles. L’objectif est simplement de vérifier qu’ils apportent quelque chose.
Prends une page de ton manuscrit et essaie de supprimer environ 20 % des adjectifs et adverbes.
Puis relis la.
Tu constateras peut-être que certaines phrases respirent davantage et que les mots réellement importants ressortent mieux.
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Certaines habitudes peuvent progressivement ralentir un texte : répétition d’un même mot, phrases interminables, constructions trop complexes ou utilisation excessive de la voix passive.
Parce que le lecteur doit fournir davantage d’efforts pour suivre l’action.
Compare :
« Le ballon fut attrapé par Emma. »
et :
« Emma attrapa le ballon. »
La seconde formulation est plus directe.
Bien sûr, la voix passive n’est pas incorrecte. Elle peut être parfaitement pertinente lorsqu’on souhaite mettre l’accent sur ce qui subit l’action plutôt que sur celui qui la réalise.
L’important est de ne pas l’utiliser automatiquement.
Une succession de phrases très longues peut fatiguer.
À l’inverse, des phrases constamment courtes peuvent donner une impression saccadée.
L’idéal est de varier.
Une phrase longue peut accompagner une réflexion ou une description. Une phrase courte peut créer une rupture, une surprise ou une tension.
Le rythme doit servir la scène.
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Toutes les scènes n’ont pas besoin d’aller à la même vitesse.
Une dispute, une fuite ou une révélation importante peuvent demander des phrases plus nerveuses.
Une scène intime, un souvenir ou un moment de réflexion peuvent au contraire prendre davantage leur temps.
Il y a des montées, des pauses, des accélérations et des respirations.
Si chaque scène est intense, plus rien ne paraît réellement intense.
Si tout est lent, le lecteur risque de décrocher.
Cherche donc un équilibre entre tension et respiration.
Relis ton texte en te plaçant à la place d’une personne qui ne connaît absolument pas ton histoire.
À quels moments ton attention augmente t-elle ?
À quels moments diminue t-elle ?
Ces variations peuvent t’indiquer où resserrer, développer ou déplacer certaines scènes.
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Le fameux principe « montrer, ne pas raconter » est souvent utile… mais il ne faut pas en faire une règle absolue.
Tout montrer peut rendre un texte lourd.
Tout raconter peut le rendre distant.
L’objectif est de savoir quand utiliser l’un ou l’autre.
« Elle avait peur. »
Cette phrase peut être parfaitement efficace si la peur n’est pas le centre de la scène.
Mais si cette émotion joue un rôle essentiel, tu peux choisir de la faire ressentir :
« Elle voulut avancer, mais ses jambes refusèrent de bouger. Au fond du couloir, quelque chose venait de grincer. »
Ici, le lecteur découvre la peur à travers la réaction du personnage.
Tu peux également utiliser les sensations : un bruit, une odeur, une lumière, une respiration, une température, une texture…
Les émotions deviennent alors plus concrètes.
Prends cinq phrases de ton manuscrit qui expliquent directement une émotion.
Transforme en deux ou trois en scènes.
Puis demande toi laquelle des deux versions fonctionne le mieux.
Tu verras que parfois, dire est plus efficace que montrer, et parfois l’inverse.
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Le premier jet n’a pas besoin d’être parfait.
Il a besoin d’exister.
C’est lors des révisions que l’on découvre les passages à développer, les répétitions à supprimer, les incohérences à corriger et les phrases qui peuvent gagner en précision.
Évite de vouloir tout corriger en même temps.
Lors d’une première relecture, concentre toi sur la structure.
Lors de la suivante, observe les personnages et leurs émotions.
Puis travaille le rythme, les dialogues, le style et enfin la correction linguistique.
Laisse également ton texte reposer quelques jours lorsque tu le peux.
Avec un peu de distance, on ne lit plus exactement ce que l’on avait en tête : on commence à voir ce qui se trouve réellement sur la page.
Et lire à voix haute reste l’un des meilleurs moyens de repérer une phrase maladroite.
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Les dialogues sont parfois difficiles à écrire parce qu’ils doivent sembler naturels tout en étant plus construits qu’une conversation réelle.
Dans la vie, nous hésitons, nous nous répétons, nous parlons parfois pour ne rien dire.
Dans un roman, chaque échange doit avoir une raison d’être.
Deux personnages ne devraient pas nécessairement utiliser les mêmes mots, le même rythme ou les mêmes expressions.
L’un peut parler très vite. L’autre peut réfléchir avant de répondre. Un personnage peut éviter les confrontations tandis qu’un autre dit toujours ce qu’il pense.
Ces différences donnent immédiatement davantage de personnalité aux échanges.
Et surtout, n’oublie pas le sous-texte.
Parfois, ce qu’un personnage ne dit pas est plus intéressant que ce qu’il prononce.
Prends une conversation de ton manuscrit et demande toi :
Qu’est-ce que chaque personnage veut réellement obtenir de cet échange ?
Puis relis le dialogue.
Tu découvriras peut-être qu’une phrase peut être supprimée, remplacée par un silence, un geste ou une réponse indirecte.
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Lorsque l’on travaille longtemps sur un texte, on finit par connaître chaque phrase par cœur.
Et cette proximité peut nous empêcher de voir certains problèmes.
Un regard extérieur peut alors être extrêmement précieux.
Bien entendu, tous les avis ne doivent pas être suivis aveuglément.
Un retour est une information, pas un ordre.
Si plusieurs personnes rencontrent le même problème, cela mérite probablement ton attention. En revanche, une remarque isolée peut simplement correspondre aux goûts personnels de la personne qui lit.
Choisis trois personnes capables de te donner des retours honnêtes et bienveillants.
Donne leur le même extrait et pose leur quelques questions précises :
Ces réponses seront souvent plus utiles qu’un simple « j’aime » ou « je n’aime pas ».
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C’est peut-être l’un des pièges les plus douloureux.
On commence un projet avec enthousiasme, puis viennent les doutes.
On relit ses premières pages. On les compare à celles d’auteures expérimentées. On trouve tout imparfait. On se demande si l’on est vraiment faite pour écrire.
Et parfois, on abandonne.
Pourtant, un premier manuscrit n’a pas besoin de prouver que tu es déjà une auteure accomplie.
Il a surtout besoin de te permettre de devenir celle que tu veux être.
Tu n’as pas besoin d’écrire parfaitement.
Tu as besoin de continuer à apprendre.
Même quelques lignes par jour peuvent faire une différence sur le long terme.
Et surtout, autorise toi à célébrer les petites victoires.
Un chapitre terminé. Une scène enfin réussie. Un personnage qui commence à prendre vie. Une phrase dont tu es fière.
Tout cela compte.
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Devenir auteure est un chemin, pas une destination.
On apprend en écrivant, mais aussi en lisant, en observant, en révisant, en recommençant et en acceptant de remettre certaines certitudes en question.
Les erreurs dont nous avons parlé ne sont donc pas des preuves d’échec.
Elles font partie de l’apprentissage.
Vouloir impressionner avec son vocabulaire, négliger les personnages, manquer de structure, surcharger les phrases, oublier la révision ou abandonner devant les difficultés… toutes ces situations peuvent arriver, même lorsque l’on écrit depuis plusieurs années.
Ce qui compte, c’est ce que l’on choisit d’en faire.
📚 Lis régulièrement.
Découvre ton genre, mais aussi des univers différents. Observe ce qui te touche et cherche à comprendre pourquoi.
🗺️ Donne une direction à ton histoire.
Tu n’as pas besoin de tout planifier, mais quelques repères peuvent t’éviter de te perdre.
💖 Prends soin de tes personnages.
Donne-leur des désirs, des failles, des contradictions et une véritable évolution.
🌿 Recherche la justesse plutôt que la complication.
Un mot simple et précis vaut souvent mieux qu’une formulation sophistiquée mais artificielle.
🔄 Révise sans avoir honte de réécrire.
La réécriture ne signifie pas que ton premier jet était mauvais. Elle signifie que ton histoire mérite d’être approfondie.
👀 Accepte les regards extérieurs.
Les retours peuvent t’aider à découvrir ce que tu ne vois plus toi-même.
🌱 Et surtout, persévère.
Ton style ne se construit pas en une nuit. Il se façonne petit à petit, au fil des pages.
L’écriture est une rencontre entre la créativité et le travail, entre l’intuition et la patience.
Il y aura des jours où les mots viendront facilement et d’autres où une seule phrase semblera impossible à terminer.
Il y aura des textes dont tu seras fière et d’autres que tu voudras complètement réécrire.
C’est normal.
Ne cherche pas à devenir une autre auteure.
Cherche à devenir une version de toi-même qui écrit avec davantage de confiance, de précision et de liberté.
Ta voix se construira naturellement à mesure que tu écriras.
Et peut-être qu’un jour, tu reliras les premières pages que tu avais écrites avec un petit sourire.
Parce que tu verras tout le chemin parcouru. 🌸
💌 Et toi, quelles erreurs as-tu rencontrées dans ton parcours d’écriture ?
Peut-être as-tu longtemps eu du mal avec les dialogues, la structure, les descriptions ou la confiance en toi.
Peut-être as-tu découvert une méthode qui a complètement changé ta façon d’écrire.
Ou peut-être es-tu encore en train de chercher ce qui fonctionne pour toi.
Partage ton expérience dans les commentaires. ✍️
Tes difficultés, tes découvertes et tes petites astuces pourront peut-être aider une autre personne qui se trouve aujourd’hui exactement là où tu étais hier.
Faisons de cet espace un endroit doux, bienveillant et encourageant, où chaque personne qui aime écrire peut apprendre, progresser et oser faire entendre sa voix. 💖🌿
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